En cierta ocasión cité aquí en el blog a Manolo Valdés haciéndome copartícipe de su observación de que llega un momento en que, siendo artista o aficionado al mundo del arte, empiezas a ver la realidad que te rodea como si de una obra de arte que conoces se tratase. Esta sensación o remembranza ocurre de tanto en cuando, de la manera más fortuita, como la que me pasó hace pocos dias, cerca de casa:

Iba en coche, ya de noche, y me alejaba de mi calle cuando pasé al lado de una cafetería que estan acondicionando para ser inaugurada en breve. Se da la circunstancia de que tiene prácticamente la totalidad de sus paredes de cristal, por lo que estaba iluminada con luz artificial y había algunas personas trabajando en su interior. Me quedé mirando su fachada de cristal, incluso un rato después de haber pasado a su lado, por el retrovisor del coche, con la extraña sensación de querer evocar en mi memoria la misma o parecida escena, creyendo haberla visto antes en alguna parte, un cubo de cristal iluminado en la oscuridad de la noche. Al poco, sonreí para mí, recordando el enlace donde había querido mi mente ir a parar, una pintura de Edward Hopper, donde se representa una cafetería típicamente americana, con algunos personajes en su interior y su luz proyectándose hacia el exterior, en una escena nocturna.
Se ha dicho mucho sobre el significado de su obra, especialmente sobre el tema de la soledad de sus personajes, pero en aquella ocasión la impresión que tuve al tener la “visión” que comento, fue que debía ser un lugar acogedor, un lugar donde refugiarse y donde tomar un café caliente, así que me quedo con esta interpretación tambien en la obra de Hopper.

Esta es la magia del arte, la que te permite, improvisadamente, seguir un camino en determinados momentos especiales, que une mundos paralelos en una misma dirección y en doble sentido, donde realidad y ficción se funden y, por unos instantes mágicos, pasan a ser lo mismo.

Por si alguien desea saber algo más sobre Edward Hopper:

http://es.wikipedia.org/wiki/Edward_Hopper

Edward Hopper. Nighthawks, 1942. Óleo sobre tela; 33 1/8 x 60 in. (84.1 x 152.4 cm). The Art Institute of Chicago; Friends of American Art Collection.

Hace ya un tiempo pude visitar una exposición en la Fontana d’Or de Girona que trataba sobre artistas muy diversos que trabajaban en  esta ciudad y alrededores y sobre su relación con sus lugares de trabajo. Con esta entrada retomo pues aquel tema que se trató aquí sobre talleres de artista. Más que de la exposición en sí quiero hablar del catálogo que se editó con motivo de aquella. Interesa al menos echarle un vistazo porque de entre sus páginas surgen nombres más o menos conocidos por todos nosotros: Cuixart, Glòria Muñoz, Carles Fontseré, Rosa Serra, Leonard Beard,… Además resulta curioso ver los espacios donde trabajan estos artistas, los hay espaciosos, luminosos, reducidos, oscuros, ordenados, caóticos, limpios, extremadamente sucios,…Si la cara es el espejo del alma, el taller podría ser el reflejo de la manera de trabajar de cada una/uno de ellos, aunque tengo mis dudas de que en bastantes casos interfiera o determine el tipo de obra que sale de ellos, como si “el milagro” se produjese a pesar de todo.
Os trascribo a continuación un fragmento de la presentación que en su dia hicieron los autores del libro por si así os aclara algo más y os apetece “buscar” este catálogo:

«Projeccions. Interiors amb artista» neix d’una idea bàsica: fer un llibre de fotografia i de literatura sobre fotografia, utilitzant com a fil conductor els artistes i els seus espais de treball. Llibre i exposició es complementen en aquest projecte que ha estat realitzat per l’historiador de l’art Eudald Camps, i el fotògraf Pep Iglésias.(…) Tot el projecte s’ha realitzat a partir de criteris «horitzontals»: el fotògraf intenta descobrir els lligams de l’artista amb el lloc que ocupa, i l’escriptor observa el principi de relació que comença a dibuixar-se cada vegada que l’obturador de la càmera s’activa. És un procés lent amb un objectiu precís: fer un llibre de fotografia i de literatura sobre fotografia, veure com l’artista i el seu lloc de treball es converteixen en matèria primera d’un diàleg, també artístic, basat en els pols singulars de les imatges i les paraules, de la fotografia i la literatura.

Quería compartir  con vosotros algunos trabajos realizados por mis alumnos de 4º de ESO del curso pasado que, me parece, merecen ser expuestos aquí. Miradlos con cariño, pues aunque a mí me parecen adecuados para lo que les pedí que hicieran, la técnica es humilde y puede que yo no sea lo suficientemente objetivo ya que he vivido el proceso con ellos y valoro esfuerzos que no se ven a simple vista.

Les propuse que pasaran a una obra tridimensional la pintura de algún pintor conocido que les atrajese. Posiblemente por que yo mismo les mostré cómo trabajaba Picasso sus esculturas con materiales diversos, vereis que alguna obra lleva la impronta picassiana, pero aún así los resultados son bastante dignos y, sobretodo, se lo pasaron en grande haciéndolas.

De la vuelta de vacaciones ojeé las exposiciones que hay programadas y pasé a ver una de Jorge Oteiza. Interesante muestra, ya que se compone de una selección de piezas que recorren todas las épocas del escultor. Algunas de ellas de una colección particular. Lo que añade cierto interés a la exposición, es casi una treintena de obras sobre papel, que resulta lo menos conocido de Oteiza.

Mientras me paseaba por la sala, recordé la encarnizada enemistad que mantuvo con Eduardo Chillida y me vino a la memoria un pequeño libro que compre hace años en una librería de saldo de Barcelona. “EL LIBRO DE LOS PLAGIOS” donde Oteiza arremete  y acusa de plagio contra Moore, Jacobsen y Chillida entre otros.

Un artista polémico que no se quedó callado ante las instituciones y los que las dirigían.

Aunque al final, Chillida y Oteiza se reconciliaron públicamente con la frase: ” Más allá de nuestras diferencias habrá siempre un espacio-tiempo para la paz”, en una entrevista a Basterretxea leí, que Oteiza consideraba que ese apretón de manos había sido una farsa.

En fin, conversaciones conmigo mismo.

Cuando tengo ocasión me gusta ir a ver performances. Rara vez me gusta lo que veo. Siempre fallan en la realización, la estética o el contenido y algunas en las tres. El lunes con motivo de la inauguración de los talleres OpenArt  disfrutamos de una buena acción.

“Trampa para dos”  comienza con dos artistas, uno vestido de blanco y otro de negro,enfrentados en un espacio cerrado con andamios. Cada uno con un rollo de cuerda van tejiendo un entramado que atraviesa el espacio. A medida que trascurre el tiempo, la trama es más espesa. El ritmo aumenta, se nota el esfuerzo, el cansancio y cada vez es más difícil moverse. Se trasmite un agobio que produce una cierta intranquilidad en el espectador. Quedan juntos en el centro, continúan enredándose en una maraña de cuerda de la que no pueden salir. Es la trampa de mostrar lo que no se es. La contradicción de pensar y actuar de distinta manera. Sólo pueden salir si se despojan de su ropa, si mudan de piel, si muestran su verdadero yo, su interior. El blanco queda de negro, el negro de blanco. Salen del recinto. FIN.

Nos tomamos una cerveza y reflexionamos, le damos vueltas a la acción y sacamos distintas interpretaciones que potencian el contenido.  Me voy a casa con un buen sabor de boca. ME QUITO EL SOMBRERO. Pero claro, si se trata de Josema Olidén y M. A. Gil es una apuesta segura.

Estos días se inauguraran dos exposiciones de Josep Guinovart en dos galerías de Barcelona (galería Mayoral y Francesc Mestre Art).

María Guinovart, hija del artista, propuso a los galeristas llevar el espectáculo que se realizó en Agramunt el pasado diciembre en homenaje a su padre. Ellos aceptaron gustosos. Así pues, cuando habló con los distintos colectivos artísticos que participaron en el evento, como era de suponer, se comprometieron a adaptar el espectáculo en la ciudad condal.

Nada más. Me gustaría que disfrutarais de un emotivo homenaje a un gran pintor y mejor persona el próximo jueves 2 de julio a las ocho de la tarde en las calles de Barcelona.

No os lo perdáis.

Hace más de ochenta años que no se pinta una cúpula de La Basílica del Pilar de Zaragoza. Ahora, es posible que sea el Pintor Antonio López el próximo en sumarse a la lista formada por: González Velázquez, Goya, Los Bayeu, Montañés y Stoiz.

El proyecto, que tardará en realizarse 2 o 3 años,  consta de una pintura  homenaje a la mujer y un grupo escultórico, colocado a pie de tierra,  que atraerá la atención hacia la cúpula.

Sin duda es un lujo poder disfrutar de una obra de Antonio López en Zaragoza, pero,  la polémica está servida: ¿Hace falta gastar dos millones de euros en esta obra?.

Seguiremos atentos a lo que suceda, pero hay que recordar que la propuesta, de hace unos años, del pintor Jorge Gay, fue rechazada por el cabildo en el último momento.